Teoría 1: Cronología de la Historia del Arte

Cronología de la historia del Arte de la humanidad
• Arte Prehistórico (desde la aparición del hombre en la tierra hasta el año 5000 a .C.)
ARTE PREHISTORICO: Se llama arte prehistórico a todas las creaciones con valor artístico realizadas por el hombre antes de la aparición de los primeros textos escritos. El arte prehistórico se ha estudiado principalmente en Europa, donde sus manifestaciones han sido más abundantes y puede seguirse su evolución a lo largo de varias decenas de miles de años.
En otras partes del mundo, como el Asia meridional y América, el arte anterior a la aparición de la escritura muestra rasgos evolutivos y temáticos similares al de Europa, pero, debido a sus caracteres específicos y a su menor desarrollo, se estudia en el conjunto de la evolución cultural de cada región. El arte prehistórico europeo tiene muchos puntos en común con el denominado arte primitivo de los pueblos de Oceanía, África, Asia y América que se mantuvieron apartados de la civilización hasta tiempos recientes.

• Arte Antiguo (comprende desde el año 5000 a .C. hasta el año 0). Incluye el Arte Mesopotámico y el Arte Egipcio.
ARTE MESOPOTAMÍCO: La civilización mesopotámica, fundamentada sobre un sistema político teocrático y absoluto, dio lugar a unas manifestaciones artísticas subordinadas a los intereses del estado y el culto religioso, lo que no impidió el desarrollo de formas expresivas de gran originalidad y valor estético.
La antigua región de Mesopotamia comprende dos provincias bien delimitadas: una llanura de aluvión al sur, y una zona de tierras altas en el norte, entre las que discurren los dos ríos del país, el Tigris y el Éufrates.
Los primeros vestigios de poblaciones estables se han encontrado en la región del norte y datan de mediados del cuarto milenio antes de la era cristiana. Han recibido su nombre según el lugar de los yacimientos arqueológicos: Hasuna, Hasuna-Samarra, Halaf. Su cerámica aparece adornada con dibujos geométricos que se adaptan a la forma de los vasos con notable habilidad.
En el área del delta, la fase prehistórica más antigua recibe el nombre de Obeid 1. Parece ser que estos pobladores constituyeron el germen del genio sumerio. Hacia el 3100 a. C., la presencia de los sumerios está plenamente probada por sus documentos escritos.

ARTE EGIPCIO: La producción artística del antiguo Egipto abarcó un largo período, alrededor de tres mil años, durante los cuales el estilo sufrió una lenta evolución y reflejó la idiosincrasia de un pueblo cuyas creencias estaban firmemente ligadas al poder de un rey divinizado y a la confianza en una vida de ultratumba.
Principios estéticos y culturales
La evolución geomorfológica hizo del valle del Nilo una estrecha franja de terreno fértil entre zonas desérticas, gracias a las crecidas del río. Durante mucho tiempo, la civilización egipcia se desarrolló en dos zonas geográficas distintas, el delta del Nilo, o bajo Egipto, y el valle que se adentra en el continente, llamado alto Egipto. Ambos focos fueron unificados hacia el 3100 a.C. por Narmer -generalmente identificado con el mítico Menes-, fundador de la I dinastía.
El reto que imponían las crecidas del río fue sabiamente aprovechado por los egipcios para obtener el mayor provecho de sus tierras. La agricultura permitió el progreso de este pueblo, que pronto adquirió una sólida organización política y religiosa.


• Arte Clásico (desde el año 2000 a .C. hasta el 300 a .C.). Comprende el Arte Griego y el Arte Romano.
ARTE GRIEGO: Los conceptos estéticos esenciales del arte europeo occidental se gestaron y desarrollaron en la antigua Grecia, civilización que supo crear un arte a la imagen y medida del hombre.
En la isla de Creta se desarrollo en el segundo milenio antes de la era cristiana un núcleo comercial muy próspero, cuyo arte se concentró en la ornamentación suntuosa de palacios como los de Cnosos y Festo. A los cretenses sucedieron los micénicos, establecidos en el continente que crearon un arte propio de ciudadelas fortificadas y rica orfebrería funeraria.
Con la invasión de estos pueblos al final de la edad de bronce por otros venidos del norte, los dorios, dio comienzo la cultura griega propiamente dicha.
La historia del arte griego, que evolucionó desde la simplicidad de su época más antigua hacia un progresivo naturalismo y perfeccionamiento técnico, cultivado en su etapa clásica, se caracterizó por su gran coherencia interna y por su búsqueda radical de la belleza, que se asimiló a la proporción y a la armonía.
La antigua civilización romana desarrolló un arte propio que, partiendo de los hallazgos de sus predecesores griegos y etruscos y asimilando los elementos y estilos de los pueblos conquistados, orientó sus creaciones según las peculiaridades de su pragmática y ecléctica cultura.

ARTE ROMANO: Se conoce con el nombre de arte romano a las manifestaciones artísticas que florecieron en la península itálica desde principios del siglo VIII a.C., hasta el siglo IV d.C., coincidiendo su desaparición con el nacimiento del primitivo arte cristiano. Las creaciones artísticas de los romanos lograron una notable unidad, producto de un poder político que se extendía por un vasto imperio. La civilización romana creó grandes urbes, y la estructura militar y el expansionismo favorecieron las construcciones defensivas (fortalezas, murallas) y las obras públicas (carreteras, acueductos, puentes, etc.). La enorme capacidad organizativa y el utilitarismo del modo de vida romano, fueron los factores esenciales que influyeron en la configuración de su arte.

• Arte de la Edad Media (desde el año 300 al 1400). Abarca el Arte Paleocristiano, Arte Carolingio, Arte Bizantino y Arte Otomano. También Arte Románico, Arte Gótico y Arte Musulmán.

ARTE PALEOCRISTIANO:
ARTE CAROLINGIO: es el denominativo para el florecimiento artístico que, promovido por Carlomagno y su corte, dio nueva vida al arte de Europa Occidental que había llegado a un punto de extremo agotamiento.
Los conocimientos sobre arquitectura carolingia, de la que se conservan escasos monumentos, se basan en pruebas documentales, como grabados y dibujos, y sobre todo en datos procedentes de excavaciones que han permitido reconstruir la planta de algunos edificios. Las construcciones más importantes de la época carolingia son de tipo basilical, como la Basílica de Saint-Denis, de tres naves y que fue reedificada con caracteres góticos en el siglo XII. También es importante destacar las construcciones de planta central con bóvedas de origen oriental, como la Capilla Palatina de Aquisgrán, comenzada en el 798 y consagrada en el 805, inspirada en la iglesia de san Vital de Rávena. También de planta central es la de Germigny-des-Prés.
La gran aportación carolingia es la construcción de monasterios benedictinos como el plano del monasterio de Sankt Gallen (Saint Gall), que se conoce a través de un dibujo. Son importantes las abadías de Corvey y de Fulda, así como el pórtico de Lorsch.
De la pintura, tanto de temas sacros como profanos, quedan pocos fragmentos, pero de extraordinario valor, en Saint-Germain de Auxerre (Yonne) y en la cripta de San Máximo de Tréveris, así como las pinturas de San Juan de Müstair. El único mosaico fue mandado construir en un ábside de un oratorio de Germigny-des-Prés.
La escultura queda limitada a una función decorativa discreta, en capiteles clásicos donde la piedra toma protagonismo en lugar del mármol. Quedan varias pequeñas tallas en marfil: las del "grupo de Ada", nombre de una hermana de Carlomagno, las del grupo de Liutardo (British Museum) y los de la escuela de Metz. En el Museo del Louvre puede verse una pequeña estatua ecuestre en bronce de Carlomagno.


ARTE BIZANTINO: Tras la invasión de los pueblos germánicos, la actividad urbana, artística y económica desapareció casi por completo en el Imperio Romano de occidente, mientras que se mantuvo y, en ciertos aspectos, floreció con renovada vitalidad en el imperio de oriente.
La nueva distribución geopolítica quedó determinada por la fundación, en el 330, sobre la antigua ciudad de Bizancio, de la capital imperial, Constantinopla. A partir de ella se generó un modelo artístico, caracterizado por la brillantez y la elegancia de formas, cuyas expresiones encontraron su origen en el arte romano, en el helenístico y en el paleocristiano oriental. La cultura bizantina se desarrolló, en alternancia de períodos de crisis y esplendor, desde el siglo V, al desaparecer como unidad política el Imperio Romano de occidente, hasta el año 1453, cuando Constantinopla fue ocupada por los ejércitos otomanos.
Principios estéticos del arte bizantino
La práctica totalidad de las manifestaciones artísticas bizantinas estuvieron estrechamente vinculadas a la religión cristiana, que fue reconocida como culto por el emperador Constantino en el 313. En un primer momento, el arte bizantino planteó como objetivo esencial la expresión de la autoridad absoluta y de la elevación mística. Los rasgos estéticos que permitieron alcanzar tal fin fueron ante todo, la grandiosidad de las formas y la frontalidad de las figuras. Esta estética obligó al espectador a adoptar una determinada actitud espiritual, que enlazó con el carácter ceremonial de la liturgia cristiana. La magnificencia de la catedral de Santa Sofía en Constantinopla (posteriormente Estambul) o el regio hieratismo -carácter sacerdotal o litúrgico- de los mosaicos de la iglesia de San Vital, en la ciudad italiana de Ravena, constituyeron manifestaciones ejemplares de dichos principios.
ARTE OTOMANO:
ARTE ROMÁNICO:

ARTE GÓTICO: La Europa de la baja edad media, conocida también como la Europa de las catedrales, experimentó, tras el lento despertar del mundo románico, un excepcional auge cultural, político y económico, que tuvo su mejor exponente artístico en el florecimiento del gótico.
Con el término gótico, empleado en primer lugar con carácter peyorativo (arte de los godos) por los artistas del Renacimiento, se denomina un conjunto de manifestaciones artísticas desarrolladas entre mediados del siglo XII y principios del XV e, incluso, en algunos lugares durante el siglo XVI. Dicho arte apareció como resultado de la evolución de las técnicas constructivas, al aparecer el arco apuntado, y como consecuencia del surgimiento de una forma de vida y una cultura de carácter urbano, dominadas por la nueva burguesía comercial.
Arquitectura
Frente al aislamiento de la abadía románica, la catedral, tipología constructiva más representativa de la arquitectura gótica, nació en el centro de la ciudad. A su edificación contribuyeron burgueses y artesanos con sus donativos y su trabajo. Se trataba, pues, del resultado de un esfuerzo colectivo, de tal modo que, a medida que la riqueza de la ciudad crecía, la catedral perfeccionaba su técnica constructiva y su decoración, y se convertía en símbolo de prestigio de su propio núcleo urbano.
ARTE MUSULMÁN:
• Arte de la Edad Moderna (a partir del año 1400 hasta el año 1800). Engloba al Arte del Renacimiento, Arte Barroco, Arte Hispano-Americano.
ARTE DEL RENACIMIENTO:
ARTE BARROCO: De acuerdo con el principio general según el cual una determinada orientación artística sucede sin aparente solución de continuidad a la tendencia que le es opuesta, el siglo XVII se caracterizó por la aparición en el arte europeo e iberoamericano de un estilo, el barroco, en el que la pureza clásica renacentista se vio desplazada por la complejidad, la tensión de las formas y el dinamismo de las composiciones.
De forma más soterrada, sin embargo, la reacción contra el formalismo del alto Renacimiento se había manifestado ya en la última etapa de Rafael y Miguel Ángel, en los manieristas y en la escuela pictórica de Venecia. No existió, pues, una ruptura repentina, sino una paulatina transformación de los ideales estéticos, que no se desarrollaron de forma simultánea en todo el ámbito europeo.
Origen y premisas estéticas
La génesis y el desarrollo del ideal estético barroco, por las razones apuntadas, resultan difícilmente precisables desde el punto de vista cronológico, si bien suele considerarse que las nuevas tendencias comenzaron a articularse de forma coherente a finales del siglo XVI. Incluso el origen etimológico del término "barroco" se encuentra sujeto a controversias: algunos tratadistas dan un sentido despectivo a la palabra y opinan que deriva de la voz latina verruca, verruga; otros consideran que su origen es el término griego baros, peso, en alusión a lo recargado del estilo; y otros, en fin, defendiendo la interpretación que parece más verosímil, se refieren al antiguo vocablo portugués barroco, con el que se designaban las perlas de forma irregular y gran tamaño muy empleadas en orfebrería en los siglos XV y XVI. Los críticos neoclásicos utilizaron el término como sinónimo de extravagante y absurdo. No obstante, a finales del siglo XIX se aceptó la denominación de barroco para definir al gran período artístico que sucedió al Renacimiento, y que se extendió aproximadamente hasta 1750.
ARTE HIPANO-AMERICANO:

• Arte del siglo XIX. Encuadra al Neoclasicismo, Realismo, Romanticismo, Impresionismo y Post-impresionismo.
NEOCLASICISMO:
REALISMO:
ROMANTICISMO:
IMPRESIONISMO: El último tercio del siglo XIX presenció el surgimiento del impresionismo, movimiento pictórico desarrollado fundamentalmente en Francia, que observaba la naturaleza y sus efectos de modo nuevo y revolucionario.
El impresionismo no era en realidad un movimiento organizado, ni tenía un planteamiento teórico específico. Estaba constituido por un grupo de pintores que coincidían en su deseo de reflejar los aspectos instantáneos y cambiantes de la realidad, sobre todo en términos de pura luz, y en su rechazo de la preceptiva académica. Entre sus antecedentes directos cabe citar a paisajistas anteriores, como los franceses Camille Corot y Eugène Boudin, el holandés Johan Barthold Jongkind y el británico William Turner, así como al maestro del realismo, el francés Gustave Courbet, quien aconsejaba a los jóvenes impresionistas: "pintad lo que veáis". No obstante, el impresionismo nació también como reacción frente a la sólida estructura compositiva de la pintura realista, aunque muchos de sus miembros habían estado sometidos a su influencia.

POST-IMPRESIONISMO:

• Arte del siglo XX (desde principio de siglo 20 hasta el año 1942). Se incluyen en este siglo al Modernismo, Expresionismo, Surrealismo y Arte Abstracto.
MODERNISMO:
EXPRESIONISMO: El expresionismo es un movimiento que surge como reacción al impresionismo; se desarrolla principalmente en Alemania en el primer tercio del siglo XX; (desde 1905 hasta finales de la década de 1920), por lo cual sufre el tremendo impacto de la primera guerra mundial.
Su principal característica es la primacía de lo subjetivo, fantástico, deforme e irracional.
La generación expresionista estuvo compuesta por dos grupos: "El puente" (Die Brücke) y "El jinete azul" (Der Blaue Reiter). El primero tiene como representantes a: Ernst Ludwing Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff. El segundo se forma por la asociación de los rusos Wassily Kandinsky y Alexei von Javlenski; los alemanes Grabriele Münter y Franz Marc; y el suizo Paul Klee.

SURREALISMO: El surrealismo fue el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, pero sus intenciones no se limitaron al arte. Su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de todas las restricciones tradicionales que la esclavizan. La religión, la moralidad, la familia y la patria se convierten así en instituciones a revisar. El movimiento surrealista se inició de manera oficial en París en 1924 con la publicación del Primer Manifiesto, escrito por André Breton. Sin embargo, durante los tres años anteriores se puede considerar que estaba gestándose, pues el foco dadaísta parisino lo configuraron los mismos miembros que, más tarde, se adscribirían a los surrealistas.
El surrealismo adoptó formas muy diversas; en un primer momento fue la causa un proyecto esencialmente literario, sin embargo en la segunda mitad de los años veinte se fue adaptando rápidamente a las artes visuales (la pintura, la escultura, la fotografía, el cine).

Según la definición otorgada por André Breton el surrealismo es un “automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento”. Se trata pues de un verdadero “dictado del pensamiento”, compuesto “en ausencia de todo control efectuado por la razón, fuera de cualquier preocupación estética y moral”.
La inspiración básica de Breton procedía de las teorías de Sigmund Freud. El descubrimiento freudiano de los procesos insconcientes que comandan la vida anímica inicia a fines del siglo XIX un nuevo paradigma que rompe con la cosmovisión en boga en esta época del hombre como dueño de la razón. Para Freud existen en nuestra experiencia cotidiana ciertos actos aparentemente inintencionados cuyo origen resulta desconocido para la conciencia. De esto se desprende que los contenidos de conciencia o las conductas observadas resultan insuficientes a la hora de aclarar el comportamiento humano en toda su extensión. No es por azar que la idea de un sujeto que no es amo, al menos totalmente, de sus accciones y pensamientos fue resistida por muchos sectores en una época en la cual el valor de la razón era preponderante. Tanto las ideas freudianas sobre lo inconsciente como depositario del conocimiento más profundo del ser humano, como la posibilidad de acceder a él a través de técnicas como la asociación libre o la interpretación de los sueños, constituirán la base teórica del movimiento surrealista.
Las obras más importantes de Freud como "La interpretación de los sueños" y "Psicopatología de la vida cotidiana" comienzan a publicarse en Francia recién a partir de los años 20, sin embargo Breton ya había tenido ocasión de experimentar ambas técnicas derivadas de las investigaciones freudianas cuando trabajaba de auxiliar en un hospital, durante la Primera Guerra Mundial. Breton visitó a Sigmund Freud en 1921 quien, al parecer no se mostró impresionado por la obra de los artistas surrealistas, con excepción de la pintura de Salvador Dalí, que lo visitó en Londres durante la Segunda Guerra Mundial.
Desde cualquier punto de vista, el surrealismo siempre intentó ser una revolución, que apelando al poder de lo inconsciente, se valió de la irracionalidad, de la vida onírica e incluso de la locura para entrever qué pueden deparar los territorios inexplorados del espíritu humano. De hecho, la palabra “surrealista”, tomada de la obra de Guillaume Apollinaire “Las tetas de Tiresias” – subtitulada como un drama surrealista en 1917-, significa por encima del realismo.

EL CUBISMO
Es un movimiento artístico del primer cuarto del siglo XX, que con su descomposición de la figura y su renuncia a la perspectiva tradicional, revoluciona el mundo de la pintura. Impuso un estilo de pintura plana bidimensional opuesta a las técnicas tradicionales de la perspectiva y el claroscuro. Su temática se centra principalmente en naturalezas muertas. Surge en España y sus principales representantes son: Pablo Picasso (su creador), Juan Gris, Georges Braque, etc.
DADAÍSMO.
Es un movimiento artístico y literario iniciado en Zurich en 1916 y que alcanzó su máxima difusión en París, de 1920 a 1924. Punto extremo del subjetivismo, utilizó tonos burlescos y caricaturas por medio de revistas y manifiestos. Su fundador, el escritor rumano Tristan Tzara, fue el editor de varios periódicos, entre ellos 391 y Dadá, dedicados a su propagación.
El dadaísmo se ha considerado una corriente artística de la cual han partido experiencias sumamente interesantes. Por lo general, se lo había tratado como un mero colofón del Futurismo Italiano, o bien como etapa introductoria al Surrealismo. Pero sus propios valores le confirieren una potencia de irradiación que le permite presentarse como otra vanguardia.
Dadá está en contra de todo, incluso de él mismo. Fue una actitud más que un estilo, un movimiento de protesta contra el mundo socio-cultural de la época. En un mundo corrupto no hay lugar para una obra constructiva. Da importancia a lo intuitivo, repudiando la razón.

Quizá el punto de partida deba situarse en 1913, fecha en la que tuvo lugar la famosa exposición del Armory Show en Nueva York. Determinados artistas europeos, entre ellos Francis Picabia y Marcel Duchamp, se trasladaron a esa ciudad con el objeto de dar a conocer allí sus realizaciones. Esto dio lugar a la aparición del grupo Pre-Dadá. Ya en esa oportunidad los artistas utilizaban, para titular sus obras nombres inventados, carentes de significado y relación con la obra en sí. Lo cual se relaciona con los célebres poemas fonéticos dadaístas, efectuados por Ball tres años más tarde.
En la exposición también participó el fotógrafo Alfred Stieglitz. Dueño de la 291 Gallery en Nueva York, quien también dirigía una revista, que en 1915 se llamaría 291. Ya en su primer número aparecerían como colaboradores Guillaume Apollinaire y Francis Picabia, convirtiéndose en un claro precedente de las revistas dadaístas posteriores.

En plena Gran Guerra, un joven poeta alemán llamado Hugo Ball se trasladó con su compañera, Emmy Hennigs, a la ciudad de Zurich, en la neutral Suiza. Siendo ella bailarina y pianista proyectan para ganarse la vida, transformar una taberna de chicas de alterne en café literario, fundando el Cabaret Voltaire, el 1 de febrero de 1916, sede del primer grupo dadaísta.
Al poco tiempo contarían con la colaboración del poeta y pintor alsaciano Hans Arp y el artista rumano, Tristán Tzara.
Juntos desarrollaron una serie de actividades en el Cabaret que rápidamente se divulgaron debido a su profundo carácter de provocación. En poco tiempo el lugar se convirtió en puerto de una gran cantidad de poetas y pintores que buscaban horizontes nuevos dentro de un arte que creían agotado. Nace, así, el más libertario de los movimientos artísticos: "Dada", revolucionando y transgrediendo cuantos conceptos se tenían hasta el momento sobre el arte.

• Arte Contemporáneo (desde el año 1942 hasta la fecha actual). Contiene a diversas expresiones del arte entre las que se encuentran el Arte Pop, Naif, Land Art, etc.
ARTE POP: fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos.
El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su contexto y aisla al objeto o lo combina con otros elementos para su contemplación.
El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.
El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.
Estados Unidos y en el Reino unido tuvieron un motivo diferente.
En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.
En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.
El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.
Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaismo.
Mientras que el arte pop y el dadaismo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.

NAIF: El encanto ingenuo e infantil que emana de la pintura naïf se ha visto reconocido en los mercados del arte, pese a que muchas de las personas que han practicado este estilo eran autodidactas que ignoraban tanto las normas académicas como las directrices de las modernas vanguardias estéticas.
La palabra naïf significa "ingenuo" en francés, y se ha adoptado para designar una tendencia pictórica que, dentro de la figuración, se aparta del naturalismo y de las normas académicas para expresar la realidad de una forma subjetiva que se asemeja a las manifestaciones del arte primitivo o infantil.
Aunque el arte naïf responde a una expresión marcadamente individualista, es posible destacar diversos rasgos comunes en el estilo de sus distintos cultivadores. En primer lugar, es un arte que no se somete a los datos de la visión objetiva. El pintor ingenuo puede basarse en la realidad que observa, pero incluye en sus representaciones elementos aportados por su imaginación o por su particular concepción sobre las cosas. Así, por ejemplo, es frecuente el excesivo detallismo en la representación de elementos naturales, como las hojas de los árboles, o la introducción de intrincados y minuciosos dibujos que rellenan todo el espacio del cuadro.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO: es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.